MUSIQUE CLASSIQUE
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MUSIQUE CLASSIQUE

 

Piano Jean-Christian Michel

Musique classique / Piano

MUSIQUE CLASSIQUE - SOMMAIRE

MUSIQUE CLASSIQUE DEFINITION - CLASSIQUE DEFINITION - MUSIQUE CLASSIQUE - HISTOIRE MUSIQUE CLASSIQUE - PERIODES / EPOQUES / STYLES DE MUSIQUE CLASSIQUE - CHRONOLOGIE DES COMPOSITEURS DE MUSIQUE CLASSIQUE - CHANT GRÉGORIEN - PARTITION DE CHANT GRÉGORIEN - MUSIQUE CLASSIQUE MEDIEVALE - MUSIQUE CLASSIQUE DE LA RENAISSANCE - MUSIQUE CLASSIQUE BAROQUE - MUSIQUE CLASSIQUE DE LA PERIODE "CLASSIQUE" - MUSIQUE CLASSIQUE ROMANTIQUE - MUSIQUE CLASSIQUE DU XXème SIECLE - MUSIQUE CLASSIQUE CONTEMPORAINE - CONCERT CLASSIQUE - FESTIVAL DE MUSIQUE CLASSIQUE - MUSIQUE CLASSIQUE ET MUSIQUES IMPROVISÉES - MUSIQUE CLASSIQUE, MUSIQUE DE PREMIÈRE CLASSE - CONCERT CLASSIQUE - TELECHARGER MUSIQUE CLASSIQUE- LISEZ AUSSI LA PAGE SUR LA MUSIQUE DE JAZZ !

PERIODES MUSIQUE CLASSIQUE - DEFINITIONS

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MUSIQUE CLASSIQUE

DEFINITION MUSIQUE CLASSIQUE

La musique classique designe une musique savante, profane ou sacrée, fondée à concourir à la culture musicale générale et à ce titre étudiée dans des conservatoires de musique. Elle fait référence aux œuvres de grands compositeurs occidentaux, par opposition à la musique populaire, au jazz, au rock, à la musique de variétés.

DEFINITION CLASSIQUE (définition du mot classique)

Est classique ce qui relève de la tradition et d'une esthétique qui a résisté au temps. La littérature classique est professée dans les classes, la musique classique enseignée dans les conservatoires. Par extension le terme "un classique" fait référence à une œuvre un auteur ou un musicien classique.

LES MUSIQUES CLASSIQUES

On a tant écrit sur la musique classique que nous ne nous étendrons pas sur le sujet, pour nous contenter de quelques remarques. La musique classique fait partie de notre culture et recèle des trésors de la plus exceptionnelle beauté. Cependant elle n'éclipse pas forcément toutes les autres.

Pour la plupart d'entre nous, la musique classique est la musique des grands compositeurs de la tradition musicale occidentale. On la distingue ainsi de la musique populaire, de la musique de jazz, de la musique folkorique, de la musique légère ou de la musique de variété. On l'appelle aussi "classique" "musique savante", "grande musique"... La musique classique eng!obe musique sacrée et musique profane.

Mais il faut savoir qu'il existe aussi des musiques "classiques" ailleurs qu'en occident, qui désignent des traditions musicales érudites, telles que la musique classique chinoise, la musique classique indienne, la musique classique andalouse etc. Mais notre objet est de survoler la musique classique occidentale...

La musique classique occidentale répond à des règles bien codifiées qui n'ont cessé de se perfectionner avec le temps. C'est une musique écrite, rigoureuse, donc savamment construite. La "tension-résolution" qui donne sa dynamique à l'œuvre est obtenue par le jeu de dissonances se résolvant en accord parfait.

Le son, matériau noble mais impersonnel de la composition doit être émis selon les règles du conservatoire - pur et droit - et cette sobriété peut lui donner une immense grandeur, comme dans le Concerto pour Clarinette de MOZART.

La musique classique occidentale est, en résumé, une musique soigneusement élaborée, dédiée au compositeur et laissant une part relativement restreinte à l'interprète.

Lire aussi la documentation sur "Musique classique" dans WIKIPEDIA

MUSIQUE CLASSIQUE ET MUSIQUES IMPROVISÉES

S'il est vrai que la musique classique écrite a connu dans le passé une forme d'improvisation sur basse continue, elle s'exclut aujourd'hui du, genre des musiques improvisées, complexes et imaginatives, où l'interprète ne se contente pas de déchiffrer une partition, mais génère dans l'instant sa propre "composition".

LA MUSIQUE DE JAZZ

Dans la musique de Jazz, le thème d'un morceau a bien été écrit par un compositeur, mais l'improvisation réalisée à partir de sa structure harmonique sera laissée aux exécutants. La musique classique est dédiée au compositeur, le jazz à l'interprète.

Il faut noter au passage que composition et improvisation ne sont pas des arts très éloignés. La musique improvisée n'est autre qu'une composition extemporanée. Jetée sur le papier elle deviendrait facilement musique écrite. Certes la technique et le soin apporté à la composition permettent une écriture plus recherchée, plus élaborée... Mais une improvisation de génie a-t-elle besoin de retouches ? La Fantaisie Chromatique de Jean-Sébastien BACH n'est elle pas autre chose qu'une des ses célèbres improvisations ?

MUSIQUE CLASSIQUE, MUSIQUE DE "PREMIÈRE CLASSE" - CRITIQUE DE LA MUSIQUE CLASSIQUE

Chef d'orchestre

La musique classique est dépositaire des canons de la beauté et se définit comme une "musique de première classe", à l'abri des modes : Certes, il y a beaucoup de vrai dans cette qualification.

Cependant mettons tout de même un bémol : la notion de beauté demeure subjective. Elle varie au cours du temps, et il faut bien dire que des œuvres sublimes sont répertoriées dans le catalogue "musique classique" à côté d'autres de x ième catégorie, tout à fait ennuyeuses.

Si les compositeurs de génie nous transportent dans les océans vertigineux du ciel, combien d'autres nous ouvrent grandes les portes d'un assommant purgatoire ! La musique classique est riche en chefs-d'œuvre, mais elle ne possède pas le monopole de la splendeur, pas plus que le Jazz d'ailleurs, ni que quelque autre expression musicale.

Et puis, n'y a-t-il pas chez les plus grands génies, des "must" et des oeuvres moins importantes, et ce, dans n'importe quel style de musique ?


HISTOIRE DE LA MUSIQUE CLASSIQUE

L'histoire de la musique classique occidentale est d'ores et déjà monumentale. Elle commence tant bien que mal au VIème siècle avec l'avénement du chant grégorien première expression structurée, pour pousser son itinéraire jusqu'à aujourd'hui. Aussi, nous ébaucherons les styles qui se sont développé tout au long des siècles, du moyen âge à nos jours, afin de définir les périodes significatives. Petite remarque : chaque école a tenté de revendiquer un renouveau en s'attribuant souvent des qualificatifs enflammés. On ne change ni la communication ni la nature humaine !

ÉPOQUES / PERIODES / STYLES / DIAGRAMME CHRONLOGIQUE DE LA MUSIQUE CLASSIQUE

Chronologie de la musique occidentale


Chronologie de la musique occidentale du début de notre ère à aujourd'hui

La musique savante occidentale ou musique classique a évolué sur l'échelle du temps, développant des périodes, chacune caractérisée par un "style" musical correspondant à l'influence de compositeurs majeurs (voir chronologie des compositeurs classiques).

La première musique "classique" : le chant grégorien (550-1200, VIème-XIème)
La musique médiévale (1200-1400, XIème-XIVème)
La musique de la renaissance (1400-1600, XIVème-XVIIème)
La musique baroque (1600-1750, XVIIème-XVIIIème)
La musique de la période dite "classique" (1750-1800, XVIIIème-XIXème)
La musique romantique et post-romantique (1800-1900, XIXème-XXème)
La musique "moderne" du XXe siècle (1900-2000, XXème-XXIème)
La musique contemporaine
(1950 - ?..., XXème -> ?...)

MUSIQUE MÉDIÉVALE AVANT LE PLAIN-CHANT OU CHANT GRÉGORIEN (Ier-VIème siècle),

La musique médiévale couvre près de 800 ans d'histoire religieuse et profane. Elle débute avec les premières expressions chrétiennes. Avant le IXème siècle, la musique médiévale est une forme presque exclusivement religieuse, monodique (chant à une seule voix, sans accompagnement), et les incantations liturgiques chrétiennes qui remontent au début de notre ère jusqu'au grégorien, cantiques, hymnes et autres psalmodies en latin, sont de tradition orale, donc non écrites, et sans structure. On notera le nom de Saint Ambroise, évêque de Milan, compositeur du IVème siècle, qui conserve dans ses hymnes les 4 modes grecs, dits "modes authentiques".

CHANT GRÉGORIEN, PREMIÈRE FORME DE MUSIQUE CLASSIQUE (VIe-IXe siècle)

Parchemin partition de chant grégorien

Définition du chant Grégorien

Le chant Grégorien ou plain-chant est l'ensemble des litanies rituelles de l'Église catholique romaine, codifié et développé par le pape Grégoire Ier (né vers 540, mort en mars 604) au VIème siécle. Le plain-chant, monodie trouvant son rythme dans les accents toniques du texte liturgique en latin, est censé amener calme et sérénité. Le chant Grégorien sera la première notation manuscrite de musique et dominera l'espace musical entre VIème et XIème-XIIème siècle (#550-1200).

Voutes

Chant grégorien

Au VIe siècle, période du haut moyen âge, la musique, diatonique, modale n'exploite encore que huit notes. C'est une musique incantatoire qui engendre une impression d'immobilité et d'apesanteur, une certaine mélancolie propice à la méditation, à l'invocation cultuelle. Elle est toujours de tradition orale.

Le chant grégorien, apparait à la fin du VIème siècle, à l'initiative du pape GREGOIRE Ier, qui pour ordonnancer les rites du culte, rassemble dans un "antiphonaire" une sélection de chants destinés aux diverses fêtes religieuses de l'année. La première notation musicale apparaît avec les neumes, signes en forme de point, de trait ou d'accent représentants un élément mélodique.

 Et c'est encore GREGOIRE "le grand" qui fonde la Schola Cantorum, pour former les ecclésiastiques qui diffuseront sa nouvelle codification.

En 813 Charlemagne, au concile de Tours, impose le grégorien à tout l’Empire...

Le chant grégorien éclipse toute autre forme musicale le VIIème et XIIème siècle, et perdure encore aujourd'hui dans la tradition des moines de l’ abbaye de Solesmes.

Le chant grégorien utilise 8 modes "écclésiastiques" , dont 4 "authentiques" (dorien, phrygien, lydien, mixolydien) et 4 "plagaux" dérivés (hypodorien, hypophrygien, hypolydien et hypomixolydien).

PREMIÈRES PARTITIONS DE CHANT GRÉGORIEN

Le chant grégorien, ou plain-chant , à la fois musique liturgique et musique savante, est la première expression musicale véritablement accomplie, pouvant être qualifiée de "musique classique", la désignation "Chant grégorien" n'apparaissant d'ailleurs qu'au IXe siècle. Cependant, la partition de chant grégorien est pour le moins embryonnaire : La mesure n'existe pas encore et les notes sont représentées par les premières lettres de l'alphabet. A = la, B = si, C = do etc., notation toujours conservée aujourd'hui par les anglo-saxons. (Voir partitions, notation musicale)


MUSIQUE CLASSIQUE MÉDIÈVALE (XIème-XIVème siècle)



Définition de la musique médiévale

La musique médiévale comprend les musiques, liturgique et profane écrites de la période grégorienne au VIe siécle jusqu'à l'avènement de la musique de la renaissance au XVe siècle.

Notation musicale

Notation médiévale

 

Troubadour

Troubadour

A côté de la musique religieuse, se développe une musique profane savante, qui est celle des troubadours (dans le sud de la France) et des touvères (au nord de la Loire).

Les ménestrels, troubadours et touvères, poètes et musiciens, le plus souvent seigneurs et personnages cultivés de haut rang, vont faire évoluer la musique : ils introduisent la mesure, puis les altérations etc. En effet, leurs chansons sont des poésies écrites en vers, et ils doivent équilibrer les mélodies avec le rythme des paroles.

La musique du moyen-âge installe de profonds changements : linguistiques et théoriques. On passe du latin à l’ancien français ; la musique médièvale se dote en même temps d'un système de notation relativement rigoureux, initiant les premières véritables partitions de musique, avec leurs notes encore carrées. Troubadours et trouvères composent les premières chansons de geste et poésies de cour.

L'Eglise bannit les "Drames liturgiques" au caractère trop profane, qui deviennent "Mystères" ce qui va favoriser l'essor des cantiques.

LA POLYPHONIE

Les choses avancent assez vite, car une petite révolution musicale est en train d'avoir lieu avec la naissance de la polyphonie, ou écriture à plusieurs voix.

En effet auparavant, il n'existait que des ensembles à l'unisson ou à l'octave.

La musique polyphonique qui nécessite de définir une durée rigoureuse des notes va conduire à la notation mesurée.

ARS ANTIQUA

Au XIIème siècle, la musique classique médiévale va développer la polyphonie avec l'ARS ANTIQUA et l'Ecole de Notre-Dame de LEONIN et PEROTIN.  On distingue l'organum (une voix double le thème en parallèle, s'en éloigne et y revient), du déchant (les voix évoluent en sens contraire, s'entre croisent), du motet où un petit texte est placé sur les vocalises de l’organum et du conduit (un motet à 2, 3 ou 4 voix).

ARS NOVA

Au XIIIème / XIVème siècle s'impose l'ARS NOVA (1320 à 1380) de Philippe de VITRY et Guillaume de MACHAUT, avec l'isorythmie (répétition régulière d'un élément rythmique) et l'isopériodicité (division en périodes égales). la musique médiévale exploite un répertoire renouvellé, affirme une plus grande expressivité ; puis c'est l'avénement de l'école franco-flamande imposant des règles de contrepoint bien codifiées, aiguillonnant l'invention du canon...

Les innovations de cette musique résolument temporelle et sensuelle qui apporte tant à l'art musical, scandalisent l'autorité pontificale claquemurée dans la vénération du grégorien : le pape Jean XXII lance un appel qui condamne cette expression "lascive" comme "musique honteuse"...

Ce sont donc les troubadours, seigneurs ambulants et poétes lyriques, qui transcendent peu à peu le chant amoureux profane au zenith d'un art savant authentique.

COMPOSITEURS DE MUSIQUE CLASSIQUE DU MOYEN ÂGE

Giraut de BORNELH, Adam de la HALLE, appelé aussi Adam le bossu, Thibaud de Champagne devenu roi de NAVARRE, troubadours et trouvères ont laissé de charmantes ballades ; Guillaume DUFAY, Jean OCKEGHEM et Josquin DES PRÈS sont les premiers compositeurs qui illustrent la musique classique médiévale.

INSTRUMENTS DE MUSIQUE DU MOYEN ÂGE

Quels sont les instruments de musique utilisés à cette époque ? Les principaux instruments de musique du moyen-âge avec olifants, trompes, orgues, cithares, flûtes, cromornes, cornemuses, lyres, harpes, psaltérions, tympanons, timbales, cymbales, carillons, timbre (sorte de tambour), et chalumeau, ancêtre de la clarinette, s'enrichissent de luths (instruments à cordes pincées) et violes (précurseurs du violon) ; Les seigneurs ont ramèné des croisades des instruments nouveaux : les guitares mauresques et latines apparaissent au XIe-XIIe siècles ; La musique classique du moyen-âge va par conséquent combiner et orchestrer plusieurs de ces instruments.


MUSIQUE CLASSIQUE DE LA RENAISSANCE (XVIe siècle)


Définition de la musiquede la renaissance

La musique de la renaissance est celle composée entre la fin de la musique médiévale au XVe siècle, et le début de la période baroque au XVIIIe siècle. Les modes médiévaux anciens font place à deux modes uniques : majeur et mineur,  avec leur gamme correspondante.

Style de la musique de la renaissance et règles hamoniques

Artistes, écrivains et musiciens de la Renaissance, fascinés par l'antiquité, rêvent d'un retour aux sources de la culture grecque et latine, et d'unir poesie et musique. En fait, ne parvenant pas à retrouver ces racines, ils sont obligés de réinventer un art musical. Renaissance et Réforme protestante vont alors bouleverser le XVIème siècle.

La musique de la Renaissance, qui se veut également "humaniste", clarifie et revivifie alors formes et règles quelque peu rudimentaires de la musique médiévale : c'est alors la réduction des tonalités à deux seuls modes, majeur et mineur, la codification des intervalles, l'utilisation des altérations, dièses et bémols, le développement de l'harmonie et du contrepoint, l'exploitation des consonances (union de sons agréables à entendre) et dissonances (introduction de note étrangère à un accord, provoquant une discordance), des tierces et des sixtes en complément des quintes, quartes et octaves, seules consonances jusqu'alors autorisées, l'institution de la cadence parfaite.

La musique de la renaissance commence à poser ainsi des bases sérieuses à la musique moderne.

Palestrina

Giovanni da PALESTRINA

 

 

Roland de Lassus

Roland de LASSUS

La musique de la Renaissance se libère de plus en plus de l'hégémonie de la religion, et toutes les formes d'expression issues de la musique médiévale prennent une vie nouvelle. Musique sacrée et musique profane vont se scinder désormais en deux genres bien distincts.

MUSIQUE SACRÉE DE LA RENAISSANCE

La musique sacrée de la Renaissance s'incarne dans la messe et le motet et s'illustre avec deux grands compositeurs, qui portent la musique polyphonique au plus haut degré de perfection :

Giovanni PIERLUIGI da PALESTRINA, organiste et Maître de chapelle (motets, offertoires, magnificats, litanies, cycles de lamentations, psaumes, cantiques, hymnes, madrigaux spirituels et profanes, ricercari pour orgue, Stabat Mater).

Et surtout Roland de LASSUS, compositeur de l'école franco-flamande (530 motets, 175 madrigaux italiens, 150 chansons françaises et 90 lieder allemands, messes et Magnificat).

La réforme protestante apporte de nouvelles règles dans la pratique de la religion. Martin LUTHER développe les cantiques à une ou plusieurs voix le fameux choral chanté par les fidèles, et qui tiendra une place si importante dans l'œuvre de Jean-Sébastien BACH, quelques 150 années plus tard.

MUSIQUE PROFANE DE LA RENAISSANCE

Détachée de l'emprise de l'Eglise, la musique classique profane, se donne pour seul but, non plus les louanges du Seigneur, mais la beauté et la célébration de la nature et de l'Homme.

C'est aussi l'apparition d'une académie de musique et de poesie, fréquentée par une élite intellectuelle et les poètes de la Pléiade. Les chansons et madrigaux sont  souvent composés sur des des poèmes de qualité, dans le respect absolu du texte des grands auteurs de l'époque, tels Clément MAROT, Charles d'ORLEANS, VILLON, RONSARD ou du BELLAY...

La chanson polyphonique
 
La polyphonie pas encore parfaite de la musique médiévale va s'épurer et se sublimer en une nouvelle forme de chanson française à 4 voix, ravissante de chic et de légéreté, avec Clément JANEQUIN, Roland de LASSUS, Claudin DE SERMISY.
 
Le madrigal et la naissance de l’opéra
 
Le madrigal italien va établir un lien étroit entre paroles et musique. Le madrigal est la plupart du temps une polyphonie vocale "a cappella", bien que la substitution des voix (généralementt entre 3 et 5) par des instruments ait été acceptée. La vocation théâtrale du madrigal annonce l'avénement de l’opéra, que MONTEVERDI illustrera avec brio un siècle plus tard.

COMPOSITEURS DE MUSIQUE CLASSIQUE DE LA RENAISSANCE

On peut retenir parmi les compositeurs de musique classique de la renaissance, les noms de PALESTRINA, Roland de LASSUS, Claudin DE SERMISY, Clément JANNEQUIN, Nicolas de GRIGNY, Louis Nicolas CLERAMBAULT et Claude LE JEUNE.

INSTRUMENTS DE MUSIQUE CLASSIQUE DE LA RENAISSANCE

la musique classique instrumentale a désormais acquis vie et autonomie. On compte maintenant parmi les instruments de musique de la renaissance, l'orgue, et notamment le grand orgue qui apparaît désormais en soliste, la trompette, l'épinette, ancêtre du clavecin, le luth , la vièle, la viole, le cistre et le violon.


MUSIQUE CLASSIQUE BAROQUE (XVIIe-XIIIe siécle)


Jean-Sébastien Bach, musique baroque

Jean-Sébastien BACH, Grand Maître de lamusique baroque

Définition de la musique baroque

La musique baroque est celle composée dans la période située du début du XVIIe siècle, fin de la musique de la renaissance, jusqu'au au milieu du XVIIIe siècle, début du classicisme. La musique baroque est caractérisée par l'apogée de la basse continue, du contrepoint et de la polymélodie. Cette période voit également naître l'art lyrique et l'Opéra.

Vivaldi

Antonio
VIVALDI

 

Albinoni

Thomaso
ALBINONI

 

Jean-Baptiste LULLY

Jean-Baptiste
LULLY

 

Jean-Philippe Rameau

Jean-Philippe
RAMEAU

 

Haendel

Georg-Friedrich
HAENDEL

 

JS Bach

Jean-Sébastien
BACH

 

Clavecin

Clavecin

Succédant à la musique de la Renaissance, la musique baroque se développe du début du XVIIème siècle à la moitié du XVIIIème siècle soit une période d'environ 150 ans, de 1600 à 1750, avec un foisonnement de formes musicales admirables.

La musique baroque a largement contribué à la progression de l'art musical. Elle voit l'apogée du contrepoint et de la basse continue, l'exploitation du tempérament égal de l'allemand WERCKMEISTER, le chiffrage des accords, la codificaition de l'ornementation, fondant ainsi les bases de la musique occidentale. Les compositeurs écrivent des traités d’harmonie : Marc-Antoine Charpentier,  René Descartes, François Campion, Jean-Philippe Rameau. Musique vocale et instrumentale se scindent en deux genres définis, prenant maintenant chacun leurs direction propre.

Bien entendu aussi, comme au cours de chaque siècle, le XIIIème verra la création et le perfectionnement d'instruments (trompette en ré, clavecin...).

LE TEMPÉRAMENT ÉGAL

Le "tempérament égal" est une méthode tout à fait théorique qui consiste à diviser une octave en douze intervalles chromatiques, tous égaux.

Cette invention qui présente l'inconvénient de ne donner aucun intervalle pur, mis à part l'octave, présente par ailleurs d'incroyables avantages. Elle sera une des bases de la musique classique occidentale moderne.

En effet, cette importante inovation permet désormais de moduler une pièce c.à.d de passer par des tonalités différentes au cours du même morceau, de jouer aussi bien dans les tons majeurs que mineurs, et de transposer dans toutes les tonalités.

LE CHIFFRAGE ET LA BASSE CONTINUE
 
La basse continue est également une innovation caractéristique de la période baroque.
 
Dans la musique de la Renaissance, l’interprète doit harmoniser lui-même les accords à partir d’une simple ligne de basse sous-jacente. C'est la basse continue, qui sert de guide au musicien tout au long du morceau sans discontinuer, d'où son appellation. Les compositeurs baroques vont perfectionner le système, en établissant une notation chiffrée des accords.

LE CONTREPOINT

La musique classique baroque s'enrichit alors d'un riche contrepoint combinant les lignes en polymélodies de plus en plus élaborées, se pare d'harmonies chatoyantes. Elle s'agrémente d'une libre richesse "d'ornements", mordants, appogiatures et trilles, et s'empare d'une plus grande expressivité.

La musique classique baroque ainsi définie, prendra une forme spécifique dans chaque pays, avec la création d'écoles bien distinctes.

MUSIQUE BAROQUE ITALIENNE

On peut dire que la musique classique baroque a débuté en Italie avec Claudio MONTEVERDI (1567-1643) et Antonio VIVALDI. Le style baroque italien a immédiatement connu un vif succès et s'est répandu comme une trainée de poudre dans toute l'Europe avec Thomaso ALBINONI, Girolamo FRESCOBALDI, Giovanni GABRIELI, Arcangelo CORELLI, Agostino AGAZZARI...

Antonio Lucio VIVALDI (1678-1741) magistral compositeur baroque italien, exceptionnel  virtuose  du violon, a initié le concerto de soliste dérivé du concerto grosso. Son œuvre dédiée à la musique instrumentale,  sacrée et  lyrique s'est illustrée par un nombre considérable de  concertos (Les 4 saisons), sonates, opéras, pièces religieuses (Dixit Dominus).

MUSIQUE BAROQUE FRANÇAISE

La musique baroque italienne est un peu bloquée en France par François COUPERIN et Jean-Baptiste LULLY, surintendant de la musique du roi Louis XIV. La musique baroque française préfére la tragédie lyrique à l’opéra, la suite de danses aux sonates et concertos.

Marc-Antoine Charpentier, Michel-Richard Delalande, Jean-Philippe Rameau, et André Campra seront les maîtres du grand motet français. On se souviendra aussi de Louis Couperin, Henry Desmarest, André Cardinal Destouches, Henry Du Mont, Jehan Titelouze, Jean Gilles...

MUSIQUE BAROQUE ANGLAISE

Georg Friedrich HAENDEL, virtuose de l'orgue et du clavecin, naît en allemagne à Halle. Il se rend en Italie durant une longue partie de sa vie et la musique classique baroque italenne l'influencera profondément.

Puis Georg Friedrich HAENDEL décide de se fixer en Angleterre, où il restera définitivement. Il fonde alors l'académie royale de musique, et se fait naturaliser anglais.

Grand parmi les grands de la musique classique baroque, Georg Friedrich HAENDEL a composé une importante œuvre dramatique et religieuse et laisse une énorme et impressionnante production : ses oratorios, dont "le Messie", ses concertos pour orgue et suites pour clavecin,  sa Water Music, "Music for Royal occasions", " "Music for the Royal Fireworks", ses opéras etc. HAENDEL a su, à l'image de Jean-Sébastien BACH, fusionner ses sources d'inspiration, en parvenant à une dimension esthétique extrémement puissante.

On notera aussi les noms de John BANISTER, Henry PURCELL.

MUSIQUE BAROQUE ALLEMANDE

Jean-Sébastien BACH,* compositeur allemand de génie, grand maître de la musique baroque et un des plus compositeurs de toute la musique, démontre, dans son chef-d'œuvres du "Clavier bien tempéré", la possibilité d'utiliser le tempérament égal, du à son compatriote, le théoricien WERCKMEISTER. Jean-Sébastien BACH est tellement immense, qu'on en oublie presque tous les autres, mis à par Haendel : Dietrich Buxtehude, Johann Pachelbel, Georg Philipp Telemann, Heinrich Schütz, Christoph Willibald Glück, Carl Philipp Emanuel Bach, johann Christian Bach...

J-S BACH est un esprit brillant, doué d'une intelligence exceptionnelle : Il réalise avec un génie inégalé la synthèse des différents courants musicaux existants. Il pousse l'art musical baroque à son apogée, et le projette en le transcendant bien au delà de son époque !

Jean-Sébastien BACH établit ainsi des fondations solides pour le futur "classicisme".

* Plusieurs pages spéciales sont consacrées à Jean-Sébastien BACH sur notre site : Jean-Sébastien BACH - Bach Jazz - Fichiers MIDI de JS BACH.

GENRES MUSICAUX DE LA PERIODE BAROQUE

Pendant toute cette période baroque si féconde, ont fleuri de très nombreuses expressions musicales : le choral, la cantate, le motet, la toccata, la sonate, la fugue, l'oratorio, la passion, le concerto grosso, l'opéra, qui en sont les principales manifestations.

Le choral, caractéristique de la musique baroque est un chant liturgique, souvent accompagné à l’orgue est puisé dans la tradition sacrée, mais aussi profane. Promu par Martin Luther pour faire chanter les fidèles dans les offices, il trouve sa plus haute signification dans l'œuvre de Jean-Sébastien Bach (Orgelbüchlein).

La passion est une forme d'oratorio, composition pour chœur et orchestre et solistes récitants, écrit pour illustrer la passion du Christ. (J.S. Bach passion selon St Matthieu, chef d'œuvre de la musique).
 
La cantate, ensemble de récitatifs chantés à une ou plusieurs voix, est écrite sur le principe de la basse continue ; l’oratorio est une sorte d'opéra religieux, présentant un thème cental et des récitatifs ;  le concerto grosso prédomine à la période baroque sur le concerto de soliste. Il s’est largement développé 100 ans plus tard dans la période classique et s'est étendu jusqu'à nos jours ; la sonate désigne une œuvre instrumentale 
en trois parties (voir : forme sonate) ; la suite est dérivée de la sonate.
 
LA MUSIQUE CLASSIQUE DRAMATIQUE, LYRIQUE ET L'OPÉRA

Les années 1600 voient éclore les premieres compositions de musique classique dramatique, qui donneront naissance à l'Opéra.

Certes le mystère du moyen âge, puis le ballet de cour de la renaissance étaient la préfiguration de l'Opéra. Quoi qu'il en soit, le teme de musique classique dramatique n'apparaît qu'au XVIIIème siècle.

COMPOSITEURS DE MUSIQUE CLASSIQUE DE LA PÉRIODE BAROQUE

Nombreux sont les compositeurs de musique classique baroque qui ont laissé leur marque. Parmi eux il est il y a lieu de mentionner : Tomaso ALBINONI, Arcangelo CORELLI, Girolamo FRESCOBALDI, Claudio MONTEVERDI, Antonio VIVALDI, Domenico SCARLATTI, André CAMPRA, Marc-Antoine CHARPENTIER, le padre Antonio SOLER, Michel-Richard DELALANDE, Jean-Baptiste LULLY, François COUPERIN, Jean-Philippe RAMEAU, Dietrich BUXTEHUDE, Johann PACHELBEL, Heinrich SCHÜTZ, Christoph-Willibald GLÜCK, Georg Philipp TELEMANN, et encore, Georg Friedrich HAENDEL, Henry PURCELL, Jean-Sébastien BACH...

INSTRUMENTS DE MUSIQUE DE LA PÉRIODE BAROQUE

Les instruments de musique de la période baroque se perfectionnent : le violon atteint sa pefection technique avec le célèbre luthier STRADIVARIUS. Le violoncelle s'étoffe, cependant que le luth voit sa vogue s'estomper, tout comme l'épinette qui va être remplacée par le clavecin. La trompette en ré, ou trompette baroque, caractéristique de la période, encore dépourvue de pistons, n’émet que les harmoniques du son fondamental. À noter que ce n'est qu'à la fin de la période baroque, que la trompette devient chromatique. Jakob DENNER présente en 1700 la première clarinette, mais qui sera peu utilisée à son époque.


MUSIQUE CLASSIQUE DE LA PÉRIODE DITE "CLASSIQUE" (2e moitié du XVIIIème - XIXème siècle) • COMPOSITEURS DE MUSIQUE CLASSIQUE DE LA PÉRIODE CLASSIQUE • INSTRUMENTS DE MUSIQUE DU CLASSICISME MUSICAL


Mozart période du clacissisme musical

W.A. Mozart, génie du classicisme musical

Définition de la période "classique" ou "classicisme.

La période dite "classique" ou classicisme musical désigne les œuvres comprises entre la fin du XVIIIe siècle avec la mort de Jean Sebastien Bach et le début de la période romantique vers 1820. Le classicisme est caractérisé par la "forme sonate" et l'avénement des contrastes de rythme et de dynamique.

LE CLASSICISME MUSICAL ET LA FORME SONATE (Fin XVIIIème siècle)

Haydn

F-J HAYDN

Mozart

W-A MOZART

Franz Schubert

Franz SCHUBERT

LA FORME SONATE DE LA PÉRIODE CLASSIQUE

Le "classicisme musical" ne s'étendra que sur une cinquantaine d'années. Il est appelé ainsi pour sa forme stricte et épurée, se donnant comme objectif rien de moins que la beauté pure. Peut-être aussi, parce qu'à partir de cette époque est née une tradition.

A la mort de Jean-Sébastien BACH en 1750, se profile une nouvelle étape de la musique classique occidentale. Les fils de BACH, notamment Carl Philipp Emanuel BACH et Johann-Christian BACH ont déjà remis en question l'héritage musical paternel et initié une nouvelle voie...

La période dite "classique", ou encore "du classicisme musical" va transcender la musique du XVIIème siècle avec un style plus simple, associant retenue et équilibre dans la limpidité, tout en élégantes nuances, mais aussi maniant l'art d'exploiter de puissants contrastes. Ces contrastes, utilisés aussi bien dans le rythme que dans la dynamique sonore, vont rompre la monotonie contrapunctique de la musique baroque, en créant la surprise et relançant sans cesse l'intérêt de l'œuvre.

La musique de la période classique a définitivement adopté le système de "tempérament égal" de l'allemand WERCKMEISTER, merveilleusement développé par JS BACH dans le clavier bien tempéré. Nous avons vu que le tempérament égal qui consiste à diviser l'octave en 12 demi-tons égaux permet désormais de jouer, de moduler et de transposer avec aisance dans toutes les tonalités.

La "forme sonate"

Le style musical de la période classique se caractérise par la généralisation de la "forme sonate" qu'on retrouvera dans les 5 genres musicaux qu'il affectionne particulièrement : la sonate proprement dite, préfigurant la symphonie, le quatuor à cordes,  le concerto de soliste et l’opéra. Menuet, rondo, scherzo sont également souvent utilisés dans la musique de la période classique.

La forme sonate comprend trois parties : exposition du thème, développement avec variations, pour terminer avec réexposition dans la tonalité principale, et coda.

NAISSANCE DE LA MUSIQUE CLASSIQUE SYMPHONIQUE

DÉFINITION SYMPHONIE

Une symphonie est une imposante œuvre instrumentale de musique savante, dérivée de la sonate, comprenant plusieurs mouvements, et composée pour un orchestre symphonique.

L'ORCHESTRE CLASSIQUE SYMPHONIQUE

Pour exprimer les contrastes, la musique a besoin en effet d'un orchestre souple et puissant, capable d'exprimer des nuances allant du pp au fff: c'est la naissance de la musique symphonique.

L'orchestre classique symphonique se développe et se différencie formellement désormais, du quatuor à cordes, séparant en deux genres distincts musique classique symphonique et musique classique de chambre.

Le rôle du chef d'orchestre classique, remplaçant le chef de pupître (chef de chœurs) va désormais devenir essentiel. La modernisation et l'invention d'instruments nouveaux comme le piano-forte, la clarinette etc. vont enrichir la palette sonore des compositeurs de timbres inédits, et leur donner des envies ou des idées.

GENRES MUSICAUX DE LA PERIODE CLASSIQUE

CONCERTO, QUATUOR À CORDES, TRIO AVEC PIANO
 
Le concerto de soliste, fondé par Vivaldi, fait dialoguer un ou plusieurs instruments solistes avec l'orchestre. Il intégre  la forme sonate et comprend 3 mouvements.

Le quatuor à cordes, formation majeure de la musique de chambre, et forme musicale ad hoc, est une composition à 4 voix pour 2 violons, un alto et un violoncelle.

Le trio avec piano est écrit pour piano et duo de violon et violoncelle.

L'OPERA À LA PÉRIODE CLASSIQUE
 
Mozart est l'un des grands maîtres de l'opéra classique. Que ce soit dans l'opera buffa avec "Les Noces de Figaro", "Così fan tutte", le Singspiel " avec "L’enlèvement au sérail" ou dans un style inclassable comme son chef d'oeuvre de "La Flûte enchantée.

Lassé du style lyrique italien trop assujetti aux prouesses vocales des chanteurs, Glück, compositeur allemand, revient aux fondamentaux du texte et de la musique.

MUSIQUE SACRÉE DE LA PÉRIODE CLASSIQUE

Haydn, Mozart, Cherubini et Beethoven développent dans leurs messes la dimension symphonique de la période classique. La messe sera brève (missa brevis), ou solennelle (missa solemnis).

La découverte de Jean Sébastien BACH et HÄNDEL par MOZART dans la dernière partie de sa vie, va l'inviter à une plus grande profondeur dans sa limpidité, comme dans ses messes, avec sa Messe en ut mineur KV.427 écrite en 1783, ou son Requiem KV 626.

COMPOSITEURS DE LA PÉRIODE DITE "CLASSIQUE"

La ville de Vienne, alors puissante capitale politique et artistique, riche à la fois de l'apport culturel de l'Allemagne et de l'Italie, sera le berceau du classicisme musical.La musique classique viennoise aura comme ambassadeurs des compositeurs célèbres : François-Joseph HAYDN père de la symphonie et Wolfgang-Amadeus MOZART (plusieurs pages lui sont dédiées dans le site), puis deux précurseurs de la musique romantique : Ludwig VAN BEETHOVEN et Franz SCHUBERT.

W.A. MOZART

Wolfgang Amadeus Mozart est l’un des plus illustres compositeurs de la musique classique occidentale, et la figure majeure du "classicisme". Virtuose du clavecin et du violon, il connaît le succès dès son enfance en portant  les formes musicales à un niveau inégalé.

INSTRUMENTS DE MUSIQUE DE LA PÉRIODE DITE "CLASSIQUE"

Les instruments de musique utilisés à cette période classique englobent le piano-forte, à queue ou carré, qui va remplacer le clavecin, le violon et le violoncelle qui détrônent définitivement les violes ; la harpe devient chromatique ; la clarinette qui va s'imposer avec limpidité dans les concertos et quintettes pour clarinette de MOZART. L'orgue classique atteindra sa plus belle expression, noble et pure ; Les trompettes s'affinent encore.


MUSIQUE CLASSIQUE ROMANTIQUE (XIXème siècle)


Chopin

Frederic Chopin-Zelazowa-Wola

Définition de la musique de la période romantique

La période romantique désigne un large courant musical du XIXe siècle, s'inscrivant dans le mouvement artistique du "Romantisme", basé sur l'expression et l'émotion. Le piano-forte remplace le clavecin, et une orchestration de plus en plus élaborée exploite à fond les contrastes de dynamique.

Beethoven

Ludwig van
BEETHOVEN

 

Wagner

Richard WAGNER

 

Hecto Berlioz

Hector BERLIOZ

 

Robert Shcumann

Robert SCHUMANN

 

Franz Liszt

Franz LISZT

 

Johannes Brahms

Joannes BRAHMS

ROMANTISME LITTÉRAIRE ET MUSIQUE CLASSIQUE ROMANTIQUE

Le romantisme apparait en Allemagne à la fin du XVIIIème siècle avec le "Sturm und Drang", pour gagner toute l'Europe. Parallèlement, à ce courant littéraire, la musique classique conquiert à cette période une place prépondérante, une situation d'art majeur.

Durant tout le XIXème siècle, la musique classique romantique va remplacer la superbe rigueur du classicisme musical par le lyrisme, l'émotion. Et en même temps, il développe des formes harmoniques nouvelles.

Le lyrisme, expression de l'individualisme, engage le compositeur à exprimer ses sentiments, ses états d'âme, sans doute en réaction contre la raison pure ! Le musicien romantique, libèré des canons d'un style défini, va par conséquent, s'attacher à exprimer avant tout sa sensibilité, son affectivité. Les thèmes tournent autour de l’amour, la liberté, la nature et s'inspirent de légendes ou d'idées philosophiques.

LES GENRES MUSICAUX
 
Le romantisme reprend les formes musicales de la période classique, sonate, quatuor, concerto, symphonie et invente de nouvelles formes telles que le Lied, le poème symphonique et des compositions spécifiques pour piano, préludes, nocturnes, valses, ballades, rhapsodies... Le piano devient l'instrument favori des virtuoses et des compositeurs.

COMPOSITEURS DE MUSIQUE DE LA PÉRIODE ROMANTIQUE

Précurseur du romantisme, Ludwig van BEETHOVEN, dont la forte personnalité projette à travers son œuvre un idéal de liberté et de frarternité, est le héraut de la période romantique.

Sa vie tourmentée transparaît dans sa musique. Sa technique de composition, toujours inspirée de la sonate classique, se rattache par cet aspect au classicisme, un art qu'il revisite sous forme symphonique. Après lui, d'ailleurs, la symphonie  deviendra la forme par excellence de composition.

Franz SCHUBERT classique pré-romantique est le véritable créateur du Lied et du concept de cycles de Lieder sur les thèmes de l’amour et de la nature. SCHUBERT meurt à 31 ans, mais laisse 9 symphonies, 7 messes, une importante œuvre de musique de chambre : pièces pour piano, trios, quatuors et quintettes. Son œuvre la plus connue du grand public est "Die Forelle" (La Truite)

Carl Maria von WEBER, compositeur réputé pour ses opéras typiquement allemands, ses singspiel, ses lieders, et son "fameux" Concerto de clarinette est le premier vrai romantique. Il doit ses titres de gloire à un opéra national, et naturellement à son concerto.

Robert SCHUMANN, représentatif du romantisme allemand, Il compose plus de 130 Lieder, 4 symphonies, deux concertos, un oratorio, un opéra et un requiem. Il est atteint malheureusement atteint de troubles mentaux qui s'aggraveront au cours du temps.

Les trois grandes figures de la musique classique romantique demeurent Hector BERLIOZ, Frédéric CHOPIN, et Franz LISZT.

Hector BERLIOZ, promoteur du grand poème symphonique reste un des grands compositeurs romantiques de la musique classique française. Il délaisse rapidement ses études médicales à Paris pour se consacrer à  la musique. Véritable  génie de l’instrumentation, créateur de l’orchestration moderne, grand théoricien de la musique, critique musical réputé, BERLIOZ a composé des symphonies dont la célèbre "Symphonie fantastique", un Requiem, 2 opéras et a produit un "traité d’instrumentation et d’orchestration".

Frédéric CHOPIN, compositeur classique polonais, pianiste virtuose exceptionnel, possède dans son art un véritable classicisme, et sait éclairer sa musique de magnifiques recherches harmoniques.

CHOPIN libère véritablement le piano des influences symphoniques en faisant éclater la notion d’instrument soliste. Dans ses études il explore les nouvelles possibilités du piano, dynamise les possibilités du clavier. Mais ses études ne sont pas que des studieuses recherches harmoniques ou des exercices de virtuosité, mais de merveilleuses œuvres de sensibilité et d'imagination. Ses sonates, préludes, trios, études, scherzos, fantaisies et ballades, expriment ferveur et mélancolie.

Franz LISZT éblouissant pianiste classique hongrois, a su élever et installer définitivement le poème symphonique initié par BERLIOZ. C'est une musique à programme, ne comportant qu’un seul mouvement, articulée autour d’un leitmotiv, et inspirée par des poèmes, légendes, ou textes  philosophiques. LISZT a écrit lui aussi de fameuses études, des concertos pour piano, des rhapsodies comme sa sonate en si mineur.

AUTRES COMPOSITEURS DE MUSIQUE ROMANTIQUE ET POST ROMANTIQUE

Parmi les compositeurs de ces écoles, on retiendra également :

En Allemagne et Autriche : Félix MENDELSSOHN (Songe d’une nuit d’été, symphonies "italienne" et "écossaise", et sa "fameuse" marche nuptiale), Anton BRÜCKNER, Gustav MAHLER, Louis SPOHR, Johannes BRAHMS, post-romantique (symphonies, sérénades, concerto pour piano, musique de chambre) - En Espagne : Isaac ALBENIZ, Manuel DE FALLA, Enrique GRANADOS, puis Joaquin RODRIGO, avec son "Concerto d'Aranjuez" - En Russie, Alexandre BORODINE, Piotr Ilitch TCHAIKOWSKI, Nicolaï Andreïevitch RIMSKI-KORSAKOV, Modest MOUSSORGSKI, Igor STRAVINSKI - En Europe de l'Est, Anton DVORAK - Béla BARTOCK - En Europe du Nord, Edvard GRIEG (Peer Gynt)- Jean SIBELIUS...

Tous les compositeurs classiques romantiques, à l'image de écrivains de cette période, expriment dans leurs œuvres spleen et idéal.

LA FIN DE LA PÉRIODE CLASSIQUE ROMANTIQUE

Les dernières années du romantisme, de 1850 au début du XXème siècle sont marquées par un regain de nostalgie territoriale, faisant appel aux traditions musicales des pays. C'est ainsi que de nombreuses écoles classiques expriment l'âme et la fragrance particulière de leur terre. Puis le romantisme, la flamboyante fascination wagnérienne, les musiques classiques de la terre natale s'essoufflent. Le XXème siècle aura besoin de renouveau. Dans quelle direction la "musique classique moderne" ira-t-elle chercher ?

INSTRUMENTS UTILISÉS DANS LA MUSIQUE CLASSIQUE ROMANTIQUE

Les instruments utilisés dans la musique classique romantique mettent en vedette le piano et l'invention du double échappement, le violon et à un moindre degré le violoncelle. L'orgue devient orgue romantique sous l'impulsion du célèbre facteur CAVAILLÉ-COLL. La flûte puis la clarinette se perfectionnent du système BOEHM ; invention du piston pour les cuivres ; lorchestre symphonique s’enrichit de nouveaux instruments, clarinette basse, piccolo, trombone, cors, cor anglais, ophicléide, harpe, cymbales, cloches...


MUSIQUE CLASSIQUE DU XXème SIÈCLE OU MUSIQUE CLASSIQUE MODERNE

Définition de la musique classique du XXe siècle.

La musique classique du XXème siècle est une période de transition entre le romantisme et l'ère contemporaine, très approximativement située entre 1850 et 1950. Elle développe une incroyable diversité de styles musicaux, seulement liés par la chronologie : certains mouvements issus du post-romantisme sentent encore le XIX ème siècles et s'opposent à d'autres qui, reconsidérant la théorie musicale, explorent de nouvelles voies (musique modale, musique symbolique, sérialisme dodécaphonique, musique concrète).

Monet

Impressionisme
Claude MONET

 

Pyotr Ilyich Tchaïkovsky

Pyotr Ilitch TCHAÏKOVSKY

 

Maurice Ravel

Maurice RAVEL

 

Claude Debussy

Claude DEBUSSY

 

Igor Stravinsky

Igor Fiodoravitch
STRAVINSKY

 

Arnold Schönberg

Arnold SCHÖNBERG

COMPOSITEURS DE LA MUSIQUE MODERNE DU XXème SIÈCLE

Sergeï Vassilievitch RACHMANINOV, compositeur, pianiste et chef d'orchestre d'origine russe naturalisé américain, laisse une œuvre impressionnante, et nous plonge dans le mystère existentiel du corps et de l'esprit (Concertos pour piano, l'île des morts, Rhapsodie sur un thème de Paganini, ses 17 études-tableau, prélude en si mineur, deux sonates, les danses symphoniques, liturgie de Saint Jean Chrysostome, ses vêpres, les cloches), dans la lignée de ses maîtres - TCHAÏKOVSKY et Nikolaï RIMSKY-KORSAKOV.

La musique de Rachmaninov, dans la coulée de la tradition romantique conserve le système tonal. Malgré la richesse de son harmonisation et l'originalité de son contrepoint chromatique, elle ne définit pas un "courant" de la période "moderne" du XXème siècle. Mais sa sobriété distinguée et son puissant souffle lyrique, l’expressivité de ses nuances, en font, malgré une critique qui tente de ringardiser le "non-avant-gardisme" , une des plus belles et légendaires expressions du XXème siècle.

À la fin du XIXe, de jeunes compositeurs tentent de s'évader des systèmes harmoniques et stylistique classiques et romantiques. Ils découvrent les musiques africaines,  asiatiques et l'expression musicale majeure du XXème siècle : le jazz. Ils explorent alors des voies nouvelles avec un usage pictural des sonorités, des rythmes syncopés, voire un retour au modal. Ils inventent l'atonalité, le dodecaphonisme et posent  les prémisses de la musique séquentielle.

Alexandre SCRIABINE, compositeur russe symboliste visionnaire, redéfinit l'harmonie. Son fameux et superbe accord "mystique" (do, fa#, sib, mi, la, ré) apporte un indiscutable renouveau. SCRIABINE initie en même temps une plus grande magie dans ses concerts, en utilisant des projecteurs de couleur. Quelle avance !

En France, se dessine une musique impressionniste et symboliste représentée par Debussy, Ravel, Dukas. Ces grands compositeurs lient leurs harmonies subtiles à la palette colorée des peintres impressionnistes. En Angleterre c'est Delius, en Allemagne Schreker, en Italie Respighi. En Autriche, Schönberg crée la musique dodécaphonique.

Claude DEBUSSY, inspiré par les musiques exotiques, pressent, tantôt le jazz, tantôt la musique contemporaine, juxtapose ses accords raffinés d'une manière inhabituelle, insolite.

Maurice RAVEL, maître de l'orchestration, utilise une écriture modale, souvent teintée de rythmes exotiques, voire de couleurs et rythmes empruntées au jazz, de la fascination de l'Espagne (Le Boléro, au succès planétaire)...

A peu près à la même époque nous retrouvons des maîtres classiques qui, sans redéfinir la musique, représentent cependant profondément le courant du début du siècle. Il ne faut pas s'étonner de les avoir trouvé dans la musique romantique, car la chronologie de la "musique classique moderne" chevauche XIXème et XXème siècle : Camille WIDOR, Vincent d'INDY, Léo DELIBES, Paul DUKAS, Gabriel FAURÉ, César FRANCK, Louis VIERNE, Maurice DURUFLÉ, Charles GOUNOD, Georges BIZET, Edouard LALO, Camille SAINT-SAENS, Jean SIBELIUS, Isaac ALBENIZ, Manuel DE FALLA, Enrique GRANADOS, Joaquin RODRIGO...

D'autres compositeurs de "musique classique moderne" exploitent avec délice des accords très recherchés, dans une musique qui reste "classique". George GERSCHWIN, compositeur américain, créateur d'un jazz symphonique,   fait triompher ses comédies musicales. On retiendra les noms de Béla BARTOK, Igor STRAVINSKI,  Edgar VARESE, Serge PROKOFIEV, Darius MILHAUD, Arthur HONEGGER, Francis POULENC, Dimitri CHOSTAKOVITCH, Eric SATIE, Darius MILHAUD, Alexandre BORODINE, Pyotr Ilitch TCHAÏKOVSKY, Antonin DVORAK, Leos JANACEK, Nikolaï RIMSKY-KORSAKOV, Modeste MOUSSORGSKY, Anton BRÜCKNER, Gustav MAHLER, Richard STRAUSS...

Cependant, une irresistible mutation se profile, qui pousse les compositeurs de musique classique à tout remettre en question, à tout vouloir réinventer.

Abandonnant les traditionnelles mesures à 3 ou 4 temps, les nouveaux compositeurs instaurent des rythmes plus complexes, qui suggèrent une impression de vitalité et d'énergie. (Les premiers essais sont dus aux auteurs classiques russes, TCHAIKOWSKI, BARTOK et STRAVINSKI).

En 1913, Igor Fiodorovitch STRAVINSKY considéré comme l'un des compositeurs les plus influents du XXe siècle, renouvelle la musique classique moderne. Son œuvre complexe évolue de la musique de ballets "l'Oiseau de feu" (1910), le "Sacre du printemps" (1913), à un retour vers les formes traditionnelles (années 20), et l'exploration vers 1950 de la musique sérielle.

Cette nouvelle liberté rythmique et harmonique inaugure la polyrythmie et la polytonalité.

MUSIQUE CLASSIQUE ATONALE

C'est ainsi qu'Arnold SCHÖNBERG et son école, en Autriche, vont exclure radicalement toute référence à la tonalité, avec la musique classique dodécaphonique, qui ouvre la voie à la musique sérielle ou musique des séries.

Les musiques de l'âme et du sentiment vont bientôt s'éclipser devant la superbe des expérmentations de l'intellect pur. La mélodie s'estompe au profit de combinaisons mathématiques ou aléatoires de timbres...

Les idées de métamorphoses se bousculent, abolissant les règles élaborées au cours des siècles.

INSTRUMENTS UTILISÉS DANS LA MUSIQUE CLASSIQUE MODERNE

La musique classique moderne met en avant des instruments généralement peu utilisés tels le saxophone (né au XIXème) ou les cuivres d'accompagnement. Les percussions, timbales, vibraphone, cloches tubulaires, gamelan et célesta, déjà inventées prennent une importance prépondérante dans l'orchestre du XXème  siècle. Les applications de l'électricité entrainent la création d'instruments comme le Theminvox, les ondes Martenot, l’orgue Hammond, les synthétiseurs voire les studios de musique électroacoustique.


MUSIQUE CLASSIQUE CONTEMPORAINE ( 1950 -> + ? ) •


Définition de la musique classique contemporaine.

La musique classique contemporaine naît au XXéme siècle dans les années 1950 et désigne les différents courants de "musique classique" savante qui présentent de voies sonores inédites, habituellement hors du système tonal, et autoproclamés "formes ouvertes". Avénement de la musique électroacoustique, concrète puis électronique, avec l'apparition de nouveaux instruments et signes de notation.

Olivier Messiaen

Olivier MESSIAEN

Edgar Varese

Edgar VARESE

John CAGE musique contemporaine

John CAGE

Boulez

Pierre BOULEZ

Iannis Xénakis

Iannis XENAKIS

Karlheinz Stockhausen

Karlheinz STOCKHAUSEN

Notation moderne

Notation moderne

LA MUSIQUE CLASSIQUE EXPERIMENTALE

La computation mathématique, la synthèse sonore puis l'informatique musicale, s'intègrent à la musique classique du XXème siècle. La recherche de nouvelles sonorités et de nouvelles gammes de fréquences conduit les compositeurs classiques a pousser les instruments à leur plus extêmes limites, voire à l'utilisation des bruits.

Les précurseurs

Les compositeurs d'après guerre ont en effet tenté de se libérer des systèmes tonals classiques.  Arnold Schönberg, Alban Berg, Anton Webern, voire Igor Stravinsky, dans sa dernière période cromposent une musique où mélodie et harmonie font place à des séries préétablies de sons. Le dodécaphonisme ou musique dodécaphonique, inventé par Arnold , Schönberg, est une technique de composition musicale qui donne une importance comparable aux douze notes de la gamme chromatique, et évite ainsi toute référence à la tonalité. Edgard Varèse y ajoute des bruits industriels en s'attachant particulièrement au timbre et au rythme.

Le sérialisme

Le sérialisme (avec Pierre Boulez, Luciano Berio, Karlheinz Stockhausen) généralise la structuration par des séries à tous les paramètres du son (rythmes, durées, timbres, etc.).

La musique concrète, électronique, électroacoustique

Vers 1950, de nouvelles formes de composition directes sur le matériau sonore vont voir le jour, en intégrant des instruments électroniques. Pierre Henry et Pierre Schaeffer créent la musique concrète et fondent le Groupe de recherches musicales (GRM).

La musique sur bande magnétique, sera désignée comme "concrète" : en partant du matériau sonore, en écoutant directement le résultat... on aboutit à cette abstraction qu'est la musique ! C'est la "démarche concrète". Il fallait y penser !

Edgard Varèse, Pierre Schaeffer et Pierre Henry, Karlheinz Stockhausen, Luciano Berio, Pierre Boulez, Luigi Nono et György Ligeti intégrent des instruments électroniques à leurs œuvres, mêlent instruments et sons électoacoustiques enregistrés à l'exécution instrumentale, ou créent des œuvres de musique électronique pure.

L’informatique va révolutionner toutes ces techniques, que ce soit pour la création de sons ou l'aide à la composition.

Le spectacle musical

De plus en plus de musiques s'orientent vers cette démarche fascinante de mêler musique et spectacle, musique et vidéo. Dans la musique du XXIème siècle, nombre de compositeurs perpétuent cette idée séduisante de mêler musique aux arts de la scène.

L'indétermination

L'indétermination est un courant américain, dû à John Cage, en réaction à la complexité de la musique européenne : l'execution d'une d'une œuvre doit selon lui avoir une interprétation une différente caque fois ; c'est l"'œuvre ouverte".

On voit apparaître des partitions utilisant des signes nouveaux, sans rapport avec les standards existants.

Le minimalisme

La musique minimaliste de Luciano Berio est un courant de musique, basée sur un principe de répétition, utilisant un matériau assez dépouillé.

LA MUSIQUE CLASSIQUE CONTEMPORAINE, SPÉCULATION ÉLITISTE QUI S'ESSOUFLE ?

En abordant ce paragraphe, il faut avoir le courage d'accepter le risque impitoyable d'anathème avec l'étiquette de "réactionnaire", pour ne pas souscrire à la pensée unique de ceux qui détiennent la "Vérité".

Le culte d'un positionnement à la pointe extrême de l'évolution, conduit les chercheurs contemporains de musique classique "sérieuse" à l'intolérance : excommuniant les "formes figées du passé", ils ne veulent tolérer que les leurs, qu'ils qualifient de "formes ouvertes".

Des "formes ouvertes" se sont en effet multipliées depuis, donnant au monde les plus surprenantes spéculations intello-culturelles audibles ou inaudibles de toute l'histoire de la musique.

Disons-le sans ambage : le rejet en bloc de l'héritage du passé a coupé le public de la musique dite "contemporaine" (voir : Sondage musique). Celle-ci s'est ainsi peu à peu étiolée, jusqu'à devenir un art marginal, incapable de vivre par lui-même sans subventions étatiques : l'œuvre des CAGE, BOULEZ, XENAKIS et autres STOCKHAUSEN, qui bénéficie de la reconnaissance et du financement des autorités gouvenementales n’a pas convaicu pour autant le public. "Créateur" d'art "moderne" serait il aujourd'hui le "métier" de "courtisans" en quête de subventions étatiques ?

Et là, il faut se défaire de l'idée que les vrais novateurs, en avance sur leur temps, doivent attendre leur mort pour être reconnus : Jean-Sébastien BACH, certes souvent descendu par la critique de son temps (Il aurait introduit l'Opéra à l'église !), MOZART écarté de la cour par l'Empereur, n'en ont pas moins fasciné leur époque, car les gens aimaient leur musique, et leurs concerts attiraient la foule.

Alors qu'aujourd'hui, grâce au CD, au DVD, à la technologie des synthétiseurs et de la musique assistée par ordinateur, l'art des sons est accessible à tous, que le nombre des musiciens a explosé, et qu'il n’y a jamais eu autant de production musicale, se peut-il alors que le nombre de véritables génies musicaux se soit ratatiné ?

La "théorie de l'évolution de la musique" et "l'élitisme avant-gardiste" qui stérilise la création sincère serait-elle alors le résultat de la prétention de compositeurs en mal de notoriété, courtisans d'hommes politiques notoirement incultes ? L'ambition de produire du nouveau à tout prix pousserait-elle certains grands esprits avides de reconnaissance à génèrer une enveloppe sans contenu ?

On peut comprendre que le monde contemporain, mis à l'écart d’une musique classique dominante peu intelligible n’ait pas souscrit à l’art téléguidé de la dictée officielle.

L’humanité nouvelle s'est vue obligée de se doter pour elle-même, d’une musique issue d'un art traditionnel populaire imaginatif, comme ce fut le cas au moyen âge, avec la novation des troubadours : la nouveauté en musique au XXème siècle est venu d’autres horizons : jazz, blues, gospel, pop music, rock, ont ouvert des voies neuves. Certes la promotion par les médias d’œuvres commerciales bas de gamme, a malheureusement dévalué l'image de quelques unes de ces formes d’art authentique et vivant... Quoi qu'il en soit, la qualité, la complexité, la créativité et le pouvoir émotionnel des formes vraies et originales leur ont donné une indiscutable crédibilité et une bonne raison d’exister.

La création véritable ne cherche pas un quelconque positionnement à l'extrême pointe d'une plus ou moins utopique évolution, elle ne sait qu'obéir à une impérieuse nécessité interieure.

COMPOSITEURS DE MUSIQUE DU XXe SIÈCLE ET DE LA PÉRIODE CONTEMPORAINE

Edgar VARESE crée une œuvre pour 37 instruments de percussions ; Olivier MESSIAEN passionné par la musique de l'Orient, s'inspire de chants d'oiseaux ; Pierre SCHAEFFER invente la "musique concrète", mixage de bruits industriels et de sons naturels enregistrés sur magnétophone ; Karlheinz STOCKHAUSEN mêle bruits et sons électro-acoustiques : Musique-spectacle où le "happening" devient inséparable de la musique ; Pierre HENRY (Apocalypse de Jean, musique électro-acoustique) ; Luciano BERIO module électroniquement la voix humaine ; John CAGE compose une "musique aléatoire" et donne un "concert de silence" ; Krzystof PENDERECKY utilise des "effets sonores" à la place des notes ; Pierre BOULEZ, musicien énigmatique capable d'écrire des fugues à six voix en utilisnt la "maîtrise mathématique totale" ; Ianis XENAKIS expérimente la "fascination du hasard" ... Pour promouvoir son œuvre, le compositeur associe à sa musique un véritable show Laser vectoriel, avec réflexions multiples par jeux de miroirs (Polytope de Cluny).

S'il est vrai que l'avenir commande d'ouvrir de nouvelles voies, les créateurs classiques contemporains n'ont pas encore produit d'œuvres acceptables par tous, dont le génie puisse égaler celui d'un BACH ou d'un MOZART.

Le talent d'un innovateur n'a rien à voir avec son positionnement sur l'échelle de "l'évolution de la musique", et la vraie question est de savoir combien de compositeurs classiques contemporains resteront dans les cents ans à venir...

INSTRUMENTS DE MUSIQUE CLASSIQUE DU XXe SIÈCLE ET DE LA PÉRIODE CONTEMPORAINE

Instruments utilisés dans la musique classique de XXème siècle et + : instruments de musique traditionnels poussés dans leurs plus extrêmes limites, percussions, ondes MARTENOT, thérémines, bruits, magnétophones (dans la musique concrète), désormais les synthétiseurs...


COMPOSITEURS CÉLÈBRES DE MUSIQUE CLASSIQUE LISTE

Monteverdi (1567-1643) Lully (1632-1687) Charpentier (1636-1704) Buxtehude (1637 -1707) Pachelbel (1653-1706) Corelli (1653-1713) Purcell (1659-1695) Scarlatti (1660-1725) Campra (1660-1744) Couperin (1668-1733) Albinoni (1671-1751) Vivaldi (1678-1741) Teleman (1681-1767) Rameau (1683-1764) Bach (1685-1750) Scarlatti (1685-1757) Haendel (1685-1759) Pergolese (1710-1736) Glück (1714-1787) Haydn (1732-1809) Mozart (1756-1791) Kraus (1756-1792) Cimarosa (1749-1801) Salieri (1750-1825) Beethoven (1770-1827) Paganini (1782-1840) Weber (1786-1826) Rossini (1792-1868) Boehm (1794-1881) Schubert (1797-1828) Berlioz (1803-1869) Mendelssohn (1809-1847) Schumann 1810-1856) Chopin (1810-1849) Liszt (1811-1886) Wagner (1813-1883) Verdi (1813-1901) Franck (1822-1890) Borodine (1833-1887) Brahms (1833-1897) Saint-saens (1835-1921) Delibes (1836-1891) Bizet (1838-1875) Moussorgski (1839-1881) Tchaikovski (1840-1893) Dvorak (1841-1904) Massenet (1842-1912) Grieg (1843-1907) Rimskikorsakov (1844-1908) Fauré (1845-1924) Puccini (1858-1924) Albeniz (1860-1909) Malher (1860-1911) Debussy (1862-1918) R.Strauss (1864-1949) Sibelius (1865-1957) Satie (1866-1925) Vierne (1870-1937) Scriabine (1872-1915) De Falla (1876-1946) Rachmaninov (1873-1943) Ravel (1875-1937 Schoenberg (1874-1951) Bartok (1881-1945) Stravinski (1882-1971) Varese (1883-1965) Prokofiev (1891-1953) Milhaud (1892-1974) Honegger (1892-1955) Gershwin (1898-1937) Poulenc (1899-1963) Rodrigo (1902-1999) Chostakovitch (1906-1975) Messiaen (1908-1992) Cage (1912-19925) Xenakis (1922-2001) Ligeti (1923-2006) Berio (1925-2003) Chaynes (1925-2016) Boulez (1925...) Henry (1927...) Stockhausen (1928...) Morricone (1928...) Penderecky (1933...)


PANORAMA CHRONOLOGIQUE RÉCAPITULATIF DES COMPOSITEURS DE MUSIQUE CLASSIQUE DE L'ÉPOQUE BAROQUE À AUJOURD'HUI (Chronologie des compositeurs de musique classique)

La chronologie des grands compositeurs de musique classique permet de les répertorier par périodes sur l'échelle du temps, et de les situer immédiatement ainsi d'une manière synoptique avec un style défini.

Période
Baroque

Période Classique

Période
Romantique

Période
Moderne

Période
Contemporaine

# 1550...
XVIIe-XVIIIe
# 1730...
XVIIIe-XIXe
#1800...
XIXe-XXe
# 1875...
XXe
# 1910...
XXe-XXIe
MONTEVERDI
(1567-1643)

LULLY
(1632-1687)

CHARPENTIER
(1636-1704)

BUXTEHUDE
(1637 -1707)

PACHELBEL
(1653-1706)

CORELLI
(1653-1713)

PURCELL
(1659-1695)

SCARLATTI
(1660-1725)

CAMPRA
(1660-1744)

COUPERIN
(1668-1733)

ALBINONI
(1671-1751

VIVALDI
(1678-1741)

TELEMAN
(1681-1767

RAMEAU
(1683-1764)

BACH
(1685-1750)

SCARLATTI
(1685-1757)

HAENDEL
(1685-1759)  

PERGOLESE
(1710-1736)

GLÜCK
(1714-1787)

HAYDN
(1732-1809)

MOZART
(1756-1791)

KRAUS
(1756-1792)

CIMAROSA
(1749-1801)

SALIERI
(1750-1825)

BEETHOVEN
(1770-1827)

PAGANINI
(1782-1840)

WEBER
(1786-1826)

ROSSINI
(1792-1868)

BOEHM
(1794-1881)

SCHUBERT
(1797-1828)

BERLIOZ
(1803-1869)

MENDELSSOHN
(1809-1847)

SCHUMANN
1810-1856)

CHOPIN
(1810-1849)

LISZT
(1811-1886)

WAGNER
(1813-1883)

VERDI
(1813-1901)

FRANCK
(1822-1890)

BORODINE
(1833-1887)

BRAHMS
(1833-1897)

SAINT-SAENS
(1835-1921)

DELIBES
(1836-1891)

BIZET
(1838-1875)

MOUSSORGSKI
(1839-1881)

TCHAIKOVSKI
(1840-1893)

DVORAK
(1841-1904)

MASSENET
(1842-1912)

GRIEG
(1843-1907)

RIMSKIKORSA
(1844-1908)

FAURÉ
(1845-1924)

PUCCINI
(1858-1924)

ALBENIZ
(1860-1909)

MALHER
(1860-1911)

DEBUSSY
(1862-1918)

R.STRAUSS
(1864-1949)

SIBELIUS
(1865-1957)

SATIE
(1866-1925)

VIERNE
(1870-1937)

SCRIABINE
(1872-1915)

De FALLA
(1876-1946)

RACHMANINOV
(1873-1943)

RAVEL
(1875-1937

SCHOENBERG
(1874-1951)

BARTOK
(1881-1945)

STRAVINSKI
(1882-1971)

VARESE
(1883-1965)

PROKOFIEV
(1891-1953)

MILHAUD
(1892-1974)

HONEGGER
(1892-1955)

GERSHWIN
(1898-1937)

POULENC
(1899-1963)

RODRIGO
(1902-1999)

CHOSTAKOVITCH
(1906-1975)

MESSIAEN
(1908-1992)

CAGE
(1912-19925)

XENAKIS
(1922-2001)

LIGETI
(1923-2006)

BERIO
(1925-2003)

CHAYNES
(1925-2016)

Pierre BOULEZ
(1925...)

Pierre HENRY
(1927...)

STOCKHAUSEN
(1928...)

MORRICONE
(1928...)

PENDERECKY
(1933...)


CONCERTS DE MUSIQUE CLASSIQUE • CONCERT CLASSIQUE


Concert classique

Concert classique

Concert philharmonique

Concert
philharmonique

Un concert est l'execution musicale publique ou privée d'un soliste, d'un orchestre ou d'une chorale.

Le concert classique ou concert de musique classique a pour objet de donner au public non seulement la joie d'écouter la musique en direct et de voir les musiciens "en vrai", mais encore de partager une émotion raffinée avec d'autres spectateurs.

Si le concert n'est donné que par un seul musicien ou ne fait référence qu'à un seul compositeur, il s'agit d'un "récital". On parlera alors par exemple d'un récital d'orgue, d'un récital BACH

Dans le cas où le concert classique est produit un ensemble de musiciens, il s'agit d'un concert classique instrumental. L'orchestre classique est dirigé par un chef d'orchestre. Si un des instruments a un rôle prépondérant, celui-ci sera mis en exergue dans la présentation du concert. On pourra parler, par exemple dans ce cas d'un concert de clarinette, bien que le soliste soit accompagné par tout un orchestre

Enfin, lorsque le concert classique présente d'un ensemble de chanteurs, on parle de la prestation d'un chœur classique, d'une chorale, d'une maîtrise, dirigés par un chef de chœur, un chef de pupître...

Le concert classique peut être donné dans un salon mondain, une salle destinée à cet effet, un théâtre, une église, une cathédrale, un abbaye, une salle d'opéra, une cour de château, le cœur d'un parc en plein air...

L'atmosphère du concert de musique classique est un tant soit peu guindée, et les auditeurs, souvent issus d'une intelligentsia bourgeoise, écoutent dans le plus grand silence la musique ou le maître qu'il est de bon ton d'apprécier... Certes il ya aussi heureusement dans le public quelques vrais mélomanes ! A la fin du concert, et à la fin seulement, les applaudissements crépitent, nourris.

Si le concert a été particulièremet apprécié, les auditeurs se lèvent et applaudissent debout, durant de longues minutes.


FESTIVAL DE MUSIQUE CLASSIQUE • FESTIVAL CLASSIQUE


Festival de musique classique

Festival de
musique classique

Un festival de musique classique est manifestation musicale organisée à époque fixe, et réunissant des musiciens ou orchestres de musique classique.

Le festival de musique classique, souvent condensé sous l'appellation de "festival de musique", peut présenter des ensembles musicaux dans des styles classiques variés, ou au contraire se cantonner un genre ou période bien définie :

On trouvera par exemple des festivals de musique classique faisant appel à des genres divers, présentant orchestres classiques, concerts d'orgue, solistes, orchestres avec solistes etc.

Le Festival de musique de Saint Victor à Marseille, qui ne présente aujourd'hui que de la musique classique, a commencé par un festival de musique sacrée faisant appel à un large éventail de musiques sacrées du monde.

Les festivals spécialisés, tels festivals de musique baroque, festivals JS BACH (les fameux BACH TAGE de Hambourg en Allemagne), festivals MOZART (Festival de Salzbourg) ou encore festivals de musique classique contemporaine (festival de Donaueschingen) font appel à un compositeur ou un genre bien défini.

L'atmosphère du festival de musique classique est assez cérémonieuse et les auditeurs souvent tirés à quatre épingles, parfois en smoking font partie de la haute bourgeoisie ou de la petite qui veut parître grande ! Les têtes couronnées assistent bien souvent aux grands festivals de musique classique...

GRANDS FESTIVALS DE MUSIQUE CLASSIQUE FRANCE ET ÉTRANGER

Un festival de musique, classique ou pas, est une nécessité promotionnelle pour une ville et de très nombreuses localités ont employé ce moyen pour se faire connaître. Selon le cas, les cités ont opté pour un festival de musique classique, festival de musique sacrée, ou festival de jazz. Voici quelques grands festivals de musique classique :

Festival international de musique classique Piano de la Roque d'Antheron, festival de Salzbourg (festival de musique classique MOZART), Festival de musique classique de Sully, Festival de musique classique de Colmar, Festival de musique de la Chaise Dieu, Festival International de musique classique d'El Jem, Festival International de musique classique de Dinard, Festival de musique classique de Lille, Festival international de musique classique d'été d’Aubenas, Festival international de musique classique Piano de la Roque d'Antheron, Festival de musique classique baroque en Vendée, Festival de musique classique de Saint-Sulpice-le-Verdon, Festival International de musique classique d'Auvers-sur-Oise, Festival de musique classique du Périgord Noir, Festival de musique classique de Saint Denis, Festival de musique classique (de chambre) Briançon, Festival de musique classique de Saint Tropez, Festival de musique de Saint Victor, Festival d’Art lyrique d’Aix en Provence…


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VIDEOS DE MUSIQUE CLASSIQUE

La video de promotion qu a été longtemps l'apanage de la musique Pop ou Rock, s'est largement étendue à la musique classique et au jazz. On trouve aujourd'hui très facilement des vidéos de musique classique sur Internet, ou en DVD.

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